Places categories: IVAM Centre Julio González

El ultraísmo fue fundado en 1918 en Madrid por Rafael Cansinos-Assens (Sevilla, 1883 – Madrid, 1964). Los planteamientos básicos del movimiento se presentaron en una entrevista realizada por Xavier Bóveda a Cansinos-Assens para El Parlamentario. En aquellas declaraciones, Cansinos-Assens se alineaba con las propuestas de escritores como Tristan Tzara, Guillaume Apollinaire y Pierre Reverdy, que el poeta chileno Vicente Huidobro había dado a conocer en el estado español, y proclamó el ocaso definitivo del modernismo, proponiendo el término “ultra” para un movimiento que diera cabida a cualquier tendencia y modalidad literaria que fuese innovadora. El ultraísmo, más significativo en el plano literario que en el pictórico, subrayó la importancia de la fantasía, de lo pintoresco, de la máquina y del dinamismo de la vida moderna. Pese a ser un fenómeno que en literatura se expresó, mayoritariamente, en lengua castellana, integró a las propuestas nacionalistas del núcleo formado por artistas y escritores gallegos.

 Esta exposición, la primera dedicada al ultraísmo en territorio nacional, se centra en el análisis de lo que fue el movimiento de vanguardia español a través de los libros y revistas producidos por sus poetas y escritores y, también, de las obras pictóricas realizadas por los artistas que asumieron el ideario ultraísta. En la muestra se incluían revistas, libros y manuscritos junto con pinturas, grabados y dibujos de Robert y Sonia Delaunay, Daniel Vázquez Díaz, Rafael Barradas, Joaquín Torres-García, Carlos Sáenz de Tejada, Pancho Cossío, Celso Lagar, Norah Borges, Antonio de Guezala, Francisco Borés, Álvaro Cebreiro, Manuel Méndez, Salvador Dalí o Rafael Alberti. La exposición se completa con un repertorio de obras del estridentismo mejicano, movimiento con el que el ultraísmo coincidió en afinidades vanguardistas. Junto a la exposición se ha programado un concierto en el Centre del Carme que pone en diálogo ultraísmo y música, con la participación del Grup Instrumental yla soprano Elena de la Merced dirigidos por Joan Cerveró.

Manolo Valdés (Valencia, 1942) formó parte del Equipo Crónica junto con Rafael Solbes hasta la muerte de este en 1981. A partir de este momento trabajó solo, primero en València, Madrid y Nueva York. En su carrera individual, Valdés ha desarrollado un estilo personal que, si en un primer momento mantuvo una estrecha relación con la pintura y el lenguaje empleado por Equipo Crónica, pronto adquirió un perfil singular. En los primeros años de su trayectoria, heredero todavía de algunos presupuestos fundamentales del Pop Art, trabajó pictórica y escultóricamente sobre imágenes artísticas que pertenecen tanto a la tradición de la historia del arte de los siglos XVI y XVII, cuanto a la historia de las vanguardias contemporáneas, articulando motivos de uno y otra época.

 Posteriormente, en torno a 1989, sin prescindir de esa iconografía, sus pinturas acentúan el interés por los aspectos materiales, por la textura, el trabajo de las superficies plásticas, los pigmentos, etc. Para Valeriano Bozal, curador de la propuesta, la habilidad del artista no debe ocultar una pintura que articula imágenes y motivos de la vida cotidiana. De esa manera, el arte proyecta una mirada distinta y posibilita el descubrimiento de aspectos que, de otro modo, pasarían por completo desapercibidos.

 La exposición reúne alrededor de cuarenta obras, entre pinturas y esculturas, realizadas desde 1981 a 1996, con especial atención al trabajo realizado en los últimos años, pero también con la firme pretensión de permitir el conocimiento y la valoración completas de la carrera de Valdés. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas y que contiene textos de Valeriano Bozal, Tomàs Llorens, Antonio Muñoz Molina y una entrevista con el artista realizada por Mª José Bono y Agnés Noguera.

Esta exposición revisa la obra de Antoni Miralda (Terrassa, 1942) realizada desde 1965 hasta el 1996. Por primera vez se reune un gran número de obras presentadas bajo una mirada crítica y temática y el trabajo se situa en su contexto histórico y contemporáneo. Son más de treinta años de creación en los que destacan investigaciones plásticas, conceptuales y materiales en torno a la escultura y a la relación del arte con la audiencia, el público o la sociedad.

Miralda. Obras 1965 – 1995 representa un recorrido temático y cronológico. El público puede encontrar en ella los momentos clave de la obra, esculturas e instalaciones de cada uno de los periodos de trayectoria del artista catalán: soldats soldés, performances o acciones como Fest fur Leda realizada en la Documenta 6 de Kassel en 1977, la instalación Santa Comida, o las obras dedicadas al Proyecto Honeymoon, un extenso trabajo que se desarrolló entre 1986 y 1992 en el que se ficcionaba la boda metafórica de la Estatua de la Libertad en Nueva York y el monumento a Cristobal Colón en Barcelona.

La muestra recoge uno de los problemas latentes  de la década de 1990, como es la cuestión de representación del arte contemporáneo: la dificultad de rescatar del paso del tiempo aquellas formas de expresión no tradicionales. La obra de Miralda se situa a medio camino entre el Land-art urbano, en relación con otros artistas como Matta-Clark o su fascinación por lo efímero e irracional de las celebraciones sociales y comunitarias. La propuesta se completa con la presentación de una selección amplia de dibujos relativos a otros proyectos. Se aprecia así el recorrido conceptual y técnico de un artista con mirada antropológica y atento a la presencia de lo arcaico dentro de la contemporaneidad.

Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo ampliamente ilustrado con fotografías y dibujos preparatorios de las acciones realizadas por el artista, textos de François Burkhardt y los curadores de la muestra Mª Lluïsa Borràs y Bartomeu Marí, además de extractos de una serie de entrevistas realizadas por Jordi Torrent a diversas personalidades que analizaban la obra de Miralda desde diversos puntos de vista. Junto al catálogo se ha producido una cinta de vídeo que muestra, a modo de compendio, una selección de su obra efímera y veinte instalaciones y “rituales” donde el movimiento, el sonido y la participación del público son esenciales. El proyecto está producido conjuntamente con la Fundación “la Caixa”, institución que acogió la propuesta antes de viajar a València.

Utopía, ilusión y adaptación: Arte Soviético 1928 – 1945 pretende reflejar la tesis (enunciada por Aleksander Ródchenko) según la cual la transformación del artista no ha de ser completada sólo con la ruptura de una determinada praxis artística, sino también con una actitud permanente de apoyo al Estado. En este sentido, los vehículos técnicos escogidos cobraban un protagonismo singular de cara a su utilización en los medios de comunicación de masas. Esta exposición refleja la evolución de la creación figurativa soviética desde el Primer Plan Quinquenal hasta la Segunda Guerra Mundial, insertándola en el contexto de su utilización como medio de propaganda y concediendo un especial relieve a la fotografía. En 1928, cuando se anunció la puesta en marcha del Primer Plan, tanto los artistas más relevantes de la vanguardia artística como los críticos coincidieron en su apreciación de que la fotografía era comunicativamente más eficaz que la imagen pintada para los enunciados del Plan.

 La exposición incluye fotografía, montajes, pinturas, carteles, dibujos, películas y proyectos para diferentes exposiciones. Frente a otras muestras dedicadas a la exhibición del arte soviético de vanguardia, Utopía, ilusión y adaptación se centra en el periodo de transición al realismo socialista. La muestra está dividida en cuatro grandes secciones dedicadas a los tres primeros planes quinquenales y al estallido de la guerra. Se exhibien alrededor de doscientas obras de cuarenta artistas, entre los que figuran: Aleksander Ródchenko, Borís Ignátovich, Elizar Langman, Gustav Klucis, Natalia Pinus, Valentina Kuláguina, Vera Orlova, Irina Shtange, El Lissitzky o Nikolai Troshin.

 Margarita Tupitsyn, comisaria de la exposición, analiza en el catálogo realizado para la ocasión, el proceso que enlaza la praxis artística de los años veinte con la praxis visual que se desarrolló a partir de la doctrina del realismo socialista. La muestra, organizada por el Museum Folkwang (Essen), ha recorrido asimismo las salas del Wüertembergischer Kunstverein (Stuttgart) antes de llegar al Institut Valencià d’Art Modern. La Filmoteca de la Generalitat Valenciana organiza, en colaboración con el IVAM, un ciclo de treinta películas del cine soviético de ese periodo; un material que ilustra, en el ámbito cinematográfico, la evolución experimentada en las artes visuales y la particular relación entre cine y poder político, con obras de Pudovkin, Eisenstein, Vertov o Dovzhenko.

La exposición Estampa Popular presenta más de un centenar de grabados de artistas que formaron parte de los diversos colectivos de Estampa Popular en sus manifestaciones de València, Sevilla, Vizcaya, Córdoba, Cataluña y Madrid, en sus diferentes etapas. Junto con los grabados se expone abundante material documental de interés histórico y pedagógico, como carteles, programas de mano, manifiestos, etc. que actúan como pruebas añadidas de carácter combativo y testimonial de esta corriente artística.

Por encima de prejuicios e interpretaciones condicionadas por las circunstancias en que se desarrollaron los artistas de Estampa Popular y sus obras, la propuesta a nivel curatorial pretende que  sean unos y otras los que hablen al fin por sí mismos a través de los relatos expositivos y del catálogo.: Que se entienda al mismo tiempo el sentido y las características globales del grupo, pero también la fuerza y energía de unas individualidades extraordinariamente marcadas por el posicionamiento político antifranquista y antifascista, por una sensibilidad especial ante las injusticias sociales, por su pasión ante los procedimientos del grabado, y por el aliento poético de un empeño artístico y contestatario.

Con ocasión de la muestra se edita un catálogo con reproducciones y documentación de los grabados y materiales documentales expuestos, así como textos del comisario de la exposición, José Gandía Casimiro, y relatos testimoniales de muchos de los artistas de Estampa Popular y de poetas y escritores con quien colaboraron.

Entre 1920 y 1960 la empresa comercial Metz & Co. “Grandes Almacenes de la Vanguardia” mantuvo una política comercial, muy poco usual, de trabajar en estrecha colaboración con arquitectos, diseñadores de interiores y artistas. Esta muestra presenta una panorámica sobre los excepcionales diseños y las obras finales producidas por Metz & Co (muebles, alfombras, tejidos, objetos domésticos, etc.): obras diseñadas por Sonia Delaunay, Gerrit Rietveld, Bart van der Leck, Willem Penaat, Marcel Breuer, Alvar Aalto, George Vantongerloo, J.P.P. Oud, entre otros y otras.

Delaunay, Rietveld, Van der Leck y Penaat están ampliamente representados en la exposición, que muestra obras finales junto a bocetos y diseños previos. Junto a las creaciones de otros artistas, la muestra reune, por primera vez: la silla ajustable con estructura tubular en acero de Marcel Breuer, dos sillas tubulares de acero de Erich Dieckmann o diseños textiles de Vilmos Huszar. Una propuesta que permite comprobar la política de buscar lo “nuevo” de Metz & Co.

Las obras de esta exposición, organizada por el Stedelijk Museum (Amsterdam) han sido seleccionadas por la comisaria Petra Timmer, investigadora sobre las respectivas políticas comerciales de los directores de Metz Joseph y Hendrick de Leeuw. En la propuesta se utilizan imágenes y sonidos originales incluyendo un programa audiovisual de la historia de Metz y otros materiales representativos de la filosofía artística de De Leeuw. Para la producción de la muestra en València se ha contado con la colaboración de la Feria Internacional del Mueble de València y de Muebles Picó S. A.

Ricard Giralt Miracle (Barcelona, 1911 – 1994) inició su carrera como diseñador gráfico con una aproximación a las estéticas novecentistas propias de Cassandre, Tschigold y Herbert Bayer divulgadas en publicaciones como Arts et Métiers Graphiques de París o Gebrauchsgraphik de Berlín. Años más tarde quedaría fascinado por los planteamientos estéticos de la Bauhaus, movimiento que descubrió al colaborar como diseñador de la Exposición Internacional de Barcelona el año 1929. Durante la guerra civil española formó parte del Sindicat de Dibuixants y realizó varios carteles para la Generalitat de Catalunya. Finalizada la contienda fundó en 1947 su propia empresa, Filograf. Insititut d’Art Gràfic, desde donde pudo desarrollar propuestas más personales e innovadoras. Su labor creativa estuvo marcada por una actitud ecléctica en su búsqueda de un lenguaje personal, convencido de que algunas propuestas como las del noucentisme o el manierismo art-decó, en las que había desembocado el grafismo europeo estaban caducas. En la década de 1950 sus trabajos evolucionaron al asimilar las pautas estéticas, entre surrealistas e informalistas, de Dau al Set, grupo al que le unió una vinculación profesional y personal.

 La exposición Ricard Giralt Miracle y la Tipografía presenta la trayectoria de Giralt Miracle desde sus inicios en el estudio de Seix-Barral, a finales de los años veinte, hasta la producción realizada en los estudios Filograf. Institut d’Art Gràfic, posterior al 1947. La muestra incide, especialmente, en el trabajo del artista como tipógrafo, diseñador de alfabetos tipográficos como el Gaudí o el Maryland, y como editor. Contemplan la muestra una serie de Plaquettes y Calaeidoscopios en los que Giralt Miracle desarrolló su particular concepción de la tipografía.

 El conjunto de las obras expuestas pertenece a la colección de Pau y Daniel Giralt-Miracle, que han hecho una donación al IVAM de una importante muestra de Plaquettes y otras creaciones del diseñador catalán. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo con textos del escritor, editor y diseñador Andrés Trapiello y de los comisarios de la exposición, Carlos Pérez y Patricia Molins. El 10 de abril se celebra la conferencia Ricard Giralt Miracle y la Tipografía Moderna a cargo de Andrés Trapiello.

La irrupción en la escena artística internacional del expresionismo bbstracto norteamericano propició en Europa una serie de filias como, en el estado español, la aparición del grupo El Paso. En el seno de esta corriente de influencia de la abstracción, se encontraron también Gerardo Rueda (Madrid, 1926 – 1996), Fernando Zóbel y Gustavo Torner. Por iniciativa de estos tres artistas, conocidos también como El Grupo de Cuenca, se fundó en 1996 el Museo de Arte Abstracto, ubicado en las Casas Colgadas de Cuenca. Estos tres artistas contribuyeron a convertir esta ciudad castellana, en las décadas de 1950 y 1960, en el epicentro del arte abstracto en el estado español.

La actitud abierta y menos conservadora hizo a Gerardo Rueda huir del dramatismo, de la violencia gestual, del carácter irracional y convulsionado de las propuestas artísticas del Grupo de Cuenca, posicionamiento que le hizo abandonar el grupo. La obra de Rueda retomó los planteamientos y las investigaciones formales de los espacialistas italianos, especialmente Lucio Fontana. Posteriormente, la búsqueda creativa del artista se apoya en la racionalidad y la reflexión, unidas a un empleo sereno y exquisito de los principios geométricos.

Rueda fue configurando paulatinamente una vertiente de abstracción sustentada sobre conceptos más líricos. Esta tendencia se manifesta igualmente en el cromatismo que aplica a su obra, con colores que presentan también la actitud comedida y serena que ha caracterizado toda su obra. Si bien puede parecer que la gama cromática es limitada, e incluso parca, la pintura de Rueda busca un empleo del color sutil y lleno de matices.

Esta exposición retrospectiva, curada por Serge Fauchereau para el IVAM, reúne ciento treinta obras, pinturas y esculturas que reflejan la evolución seguida por Gerardo Rueda. Con motivo de la exposición se edita un catálogo con textos de Serge Fauchereau, Tomás Llorens, Michael Zakian y Juan Manuel Bonet.

A partir de los últimos años de la década de 1940 y a lo largo de los años cincuenta, David Smith (Decatur, Illinois, 1906 – Bennington, Vermont, 1965) elaboró una escultura más poética, abierta y lineal. En cierta manera, esto constituyó una narrativa estructurada con una caligrafía metálica tridimensional en la que se podían descubrir influencias de Picasso y del surrealismo. Desde finales de los años cincuenta hasta su muerte, a causa de un accidente de automóvil, realizó obras sólidas, de carácter monumental, concebidas para ser contempladas al aire libre. Esas esculturas que poseían una cualidad inestable y dinámica, opuesta a la densidad, ofrecían un lenguaje plástico específicamente americano, logrado a partir de la asimilación y experimentación sobre las propuestas europeas de vanguardia. De esa manera, a través de unas composiciones de aspecto provisional y fortuito en las que con frecuencia se subrayaba su carácter irónico, Smith formuló un lenguaje original, una “objetividad” escultórica que planteó, inicialmente, los problemas de integración del color y la forma y, posteriormente, el diálogo entre el peso y el volumen a partir de estructuras elementales. Un planteamiento artístico centrado en el metal, el material más representativo de la industrialización característica del siglo XX, que abrió nuevas vías y se situó en la base de importantes tendencias como el minimalismo.

La exposición organizada por el IVAM es la primera muestra antológica dedicada al escultor estadounidense en el estado español y se centre en la especial relación del artista con Europa, en particular, con la obra de Picasso y Julio González. Está formada por cincuenta esculturas realizadas entre 1933 y 1965, y se acompañan  de un conjunto de fotografías originales de Ugo Mulas que documentan la estancia del escultor en Italia en 1962 y en su granja de Bolton Landing. Con ocasión de la muestra se edita un catálogo con documentación de obra y sala y textos de Michael Brenson, Francisco Calvo Serraller y Carmen Giménez, curadora de la propuesta. El catálogo reune una antología de escritos del propio artista.

Señales de vídeo. Aspectos de la videocreación española en los últimos años presenta una selección crítica de la producción de vídeo de creación en el estado español. La muestra se divide en nueve módulos y reunie las creaciones de 32 autores y 6 autoras que presentaba un total de cuarenta obras realizadas entre 1988 y 1995.

La muestra ha transformado el Salón de Actos del IVAM-Centre Julio González en un espacio de reproducción audiovisual con una temporalidad de visionado divididas en nueve ejes temáticos.

1- Espacios imaginados. Jueves 15 de febrero / miércoles 6 de marzo

Recursos de las tecnologías electrónicas del vídeo y la informática para la construcción de espacios imaginarios, simbólicos y misteriosos.

Obras proyectadas: Sopa Básica de J. Teixidó; Sueño con cruces del Grupo 3TT; Lucía de Pedro Ballesteros; Disdirak de Iñigo Salaberría; ¿Quién es? de Jaime Vallaure; Eur/opas de Olga Mesa y Ricardo de Rezende.

2- Viajes imagineros. Viernes 16 de febrero / jueves 7 de marzo

El encuentro de otras realidades, el contacto con otras culturas, un catálogo de viajes en los que la cámara actuaba como vehículo en estas travesías en imágenes.

Obras proyectadas: Wahab 1 de Toni Serra; Potser sí que tots som iguals de Maite Ninou/Xavier Manuben; Cante de ida y vuelta de Isabel Herguera; Viajes imaginarios 1: Buenos Aires de Jacobo Sucari; The last vehicle de Pedro Ortuño; Wahab 2 de Toni Serra.

3- Derecho a réplica. Sábado 17 febrero / viernes 8 de marzo

El vídeo como medio para interrogar, contestar o desmantelar los mensajes de los medios. El collage, la apropiación y la búsqueda de imágenes o mensajes contradictorios en la elaboración de una crítica hacia los medios de comunicación.

Obras proyectadas: CS (Ciclo Surf) de Joan Leandre; O gato que está triste y azul de Xurxo Estévez; TVE: Primer intento de Muntadas.

4- El medio es el ruido. Domingo 18 de febrero ÷ sábado 9 de marzo

Cuatro piezas antídoto de lo mediático que generan mecanismos de defensa ante los abusos de los medios en sus aspectos más homogenizadores.

Obras proyectadas: Lost in Heaven de Javier Montero; Map CCRN de Joan Leandre; Sin Imágenes de Josu Rekalde; Ringo Rango de Antón Reixa.

5- Autovideografías, retratos, vídeos familiares. Martes 20 de febrero ÷ domingo 10 de marzo

Introspección y recreación de vivencias y sensaciones que adoptan una perspectiva de revaluación de la estética del vídeo doméstico.

Obras proyectadas: Uomo Blue de Carlos Gil-Robles; Tia Berti de Jaime Vallaure; Familia de Joan Pueyo; Daniel, Marzo 1990 de Juan Crego; Les choses simples de Francisco Ruiz de Infante.

6- Memorias, recuerdos, heridas. Miércoles 21 de febrero / martes 12 de marzo

La memoria como tema predominante, como rasgo común, enfoque introspectivo y autorreflexivo.

Obras proyectadas: Recuerdos de feria de Manuela Saez; La extensión del instante de Enrique Fontanilles; Lunes 27-I-92 de Juan Crego; Los Libros por las piedras de Marcelo Expósito; The Borders of a wound de Esther Mera.

7- Geografía e historia. Jueves 22 de febrero ÷ miércoles 13 de marzo

Evocaciones e interrogaciones con una perspectiva crítica de espacios y hechos que inciden en la memoria colectiva.

Obras proyectadas: Señuelos de Jaume Subirana; La tierra de la madre de Joseantonio Hergueta; Sur del sur de Francesc Torres.

8- Viva la muerte. Viernes 23 de febrero / jueves 14 de marzo

Producciones sobre lo macabro, el humor negro y evocador de una supuesta tradición de la España negra.

Obras proyectadas: Mortaja de Antoni Perumanes; Lugar común de Francisco Ruiz de Infante; Tránsito de Ignacio Pardo; Sábado legionario de Javier Codesal.

9- Cuerpo a cuerpo. Sábado 24 de febrero / viernes 15 de marzo

Propuestas de representación y reflexión sobre el cuerpo.

Obras proyectadas: Contorsionista de Joan Pueyo; Ninfografía de Ignacio Pardo; Transformador destinado a utilizar las pequeñas energías desperdiciadas de Rosa Silva; Asurbanipal de Elio Quiroga; El ring de Julián Álvarez.

Con motivo de la muestra se edita un libro-catálogo con documentación del programa, obras representadas, autores y autoras, acompañado de textos del comisario Eugenio Bonet, Manuel Palacio, Gabriel Villota y Carlota Álvarez Basso. La muestra organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía cuenta con la colaboración del IVAM, el Excmo. Cabildo Insular de Gran Canaria, Festival Internacional de Vídeo de Canarias, Institución Príncipe de Viana (Pamplona), Festival de Vídeo de Navarra, Fundación Pilar y Joan Miró, Centro Gallero de Arte da Imaxe (A Coruña) y la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona.

Pablo Palazuelo (Madrid, 1915 – Galapagar, Madrid, 2007) ha dedicado toda su carrera a la investigación de las formas y tensiones estéticas de la abstracción y la geometría. Su singular poética recibió en una primera etapa la influencia inicial del cubismo, Klee y Kandinsky y se adscribió con las formulaciones más creativas de la vanguardia clásica. En 1948, el ministerio de Francia becó al artista para viajar a París y establecer su residencia, distanciándose así del franquismo. Palazuelo, que concebía el arte como “un camino para dar salida a los problemas humanos”, generó un vocabulario surgido de patrones geométricos subyacentes en la naturaleza. Con una sensibilidad articulada a partir de la constante reflexión teórica y de un lirismo subrayado a través de la luminosidad y los ritmos, el autor se distanció del rigor formal característico del constructivismo y de la abstracción geométrica.

El artista ha acompañado su trayectoria artística junto a la investigación de las matemáticas, la filosofía islámica y china, conocimientos que complementó con el agnosticismo occidental. Esta base intelectual le sirvió para establecer conexiones formales entre la pintura, la música y las matemáticas, que como ha escrito Kevin Power en el catálogo de la muestra, acercaban a las formas a “geometrías espirituales”. La conjunción de líneas y planos puros, recurrentes en sus obras, no intenta generar ilusiones ópticas, si no que busca la interrelación entre la razón y la emoción.

El recorrido de la obra de Palazuelo se ha abordado en esta primera exposición de carácter retrospectivo, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, curada por Marta González Orbegozo, y que ha llegado en itinerancia al IVAM un año más tarde. En esta se observa la evolución creativa del artista a través de aproximadamente cincuenta y seis pinturas, obra gráfica, el libro de artista Lunariae, y once esculturas. Con motivo de la muestra se edita un catálogo con reproducciones y documentación de sala y textos de Kevin Power, Fernando Castro, Yves Bonnefoy, el propio Palazuelo y un poema de Jacques Dupin.

La coherencia del trabajo de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937 – Barcelona, 2009) puede comprenderse a través de sucesivos despojamientos, por la eliminación de lo anecdótico, por la depuración de perfiles inconcretos, que han transitado el camino del minimalismo, modelando el tema desde el dictado de la luz interna. Tanto en los retratos como en las fotografías de animales o en los paisajes, el fotógrafo aborda la escena con un inmenso respeto, que no significa reproducirla gratuitamente, sino desvelarla sin efectismos propios del medio. Mantiene el mismo interés en concentrarse sobre la superficie exterior de los sujetos, en asumir por completo la bidimensionalidad fotográfica como una fuerza expresiva, en respetar y convivir largamente el tiempo presente de los entornos para poder dotar a la imagen de una solidez intemporal. Como indica Carlos Cánovas, en el catálogo de la muestra: “Las fotografías de Humberto Rivas tienen una innegable belleza de superficie que las hace enormemente sensuales. No constituyen, desde luego, amores a primera vista. Son imágenes que necesitan cierto tiempo antes de quedar prendidas en algún lugar de la memoria”.

El respeto a uno mismo, a la escena y al medio con que ha trabajado el fotógrafo, hace posible la conversación con la condición humana del retratado, dejando atrás envolturas sociales simbólicas o sorpresivas. Como afirma  él mismo: “Me interesa mucho ese algo profundo que tenemos todos y que generalmente no mostramos, y también me interesa mucho el paso del tiempo sobre los retratados… Frente a un paisaje o a un retrato, yo no puedo ni quiero, ser objetivo. Soy como soy y por lo tanto ese paisaje o retrato serán, a mi manera, mis fotografías”.

La exposición dedicada a Humberto Rivas recorre diferentes etapas de la trayectoria del artista, desde el inicio de su actividad fotográfica en la década de 1970 hasta su producción más reciente. Una selección de aproximadamente ciento cuarenta obras pertenecientes al archivo del artista y a la colección de Rafel Tous. La muestra se acompaña del catálogo con documentación de las obras expuestas y con textos de Arnau Pons, Carlos Cánovas y el curador de la propuesta, Josep V. Monzó.