Places categories: IVAM Centre Julio González

La importancia del pop art en la colección del IVAM se asienta sobre algunas figuras y movimientos principales; desde el Equipo Crónica, Equipo Realidad o Adami hasta Oldenburg, Rosenquist, Falström y, por supuesto, The Independent Group y Richard Hamilton (Londres, 1922 – Northend, Reino Unido, 2011). Esta muestra remite con el título a los cuatro grandes géneros pictóricos: interior, paisaje, naturaleza muerta y retrato, y convoca una cuestión inmediata a propósito del uso y pertinencia de la pintura en un momento (desde las décadas de 1950 hasta 1980) de clara influencia mediática y meta-artística. Lo que Hamilton plantea con su obra es cómo deben asumir, las denominadas bellas artes, un contexto social donde los referentes cotidianos están cambiando tan rápidamente. La aparición y desarrollo de la sociedad de consumo genera nuevas maneras de entender el entorno, con la extensiva aparición del coche como símbolo de libertad; el espacio doméstico mediatizado a través del uso extendido de la tecnología; el diseño y la arquitectura convertidos en funcionalidad necesaria y derecho adquirido; o las relaciones personales, que se ven alteradas y transformadas para siempre con los movimientos sociales acaecidos en las décadas de 1960 y 1970.

La muestra ofrecía una visión extensa de las inquietudes de Hamilton, que emergen en su interés siempre activo por las vanguardias históricas, en especial por las obras más mecanicistas de Duchamp y Picabia, y se consolida en una integración plena con las maneras de ver y sentir la contemporaneidad en su época de acción. Estas características propias, tan individualistas y corales a un tiempo, posicionan su trabajo en un lugar necesario e imprescindible que actúa como bisagra entre momentos artísticos fundamentales del siglo XX.

Al igual que para otros movimientos de vanguardia, el cubismo fue decisivo en la aparición del De Stijl. Ad Petersen, comisario de esta exposición y entonces antiguo jefe del departamento de obra gráfica, dibujos y fotografía del Stedelijk Museum de Ámsterdam, así lo indicaba en el catálogo que acompañó la muestra: «El cubismo fue muy importante para el desarrollo de De Stijl, que nació de un intenso, aunque relativamente corto, encuentro de unos cuantos artistas, pintores en su mayoría, de los cuales Mondrian, Van Doesburg y Van der Leck (por este orden) fueron los más prominentes». En 1917, en plena Primera Guerra Mundial, con la Revolución soviética en marcha, se funda el grupo en Leiden, Países Bajos, y sale el primer número de la revista De Stijl (El Estilo) que estuvo activa hasta 1931. Piet Mondrian (Amersfoort, Holanda, 1872 – Nueva York, 1944), Bart van der Leck (Utrech, 1876 – Blaricum, Holanda, 1958) y Theo Van Doesburg (Utrech, 1883 – Davos, Suiza, 1931) reúnen todas las características de los grandes artistas y pensadores de principios del siglo XX: polifacéticos, ideólogos de las formas artísticas y apasionados en sus defensas.

De Stijl planteaba la integración de las artes, a través de la geometría y el uso de los colores básicos (azul, rojo, amarillo), el blanco, el negro y el gris. El dibujo de Van Doesburg Medios elementales de expresión de la pintura, (ca. 1924-25) actúa como «paleta» cromática fundamental. La nueva pintura abstracta resultante, que Mondrian denominó neoplasticismo, fue su aspecto más visible y reconocible. Otra característica era la utilización exclusiva de líneas rectas en sus cuadros, lo que motivó un distanciamiento entre Mondrian (defensor acérrimo de esta premisa) y Van Doesburg, que definió el elementarismo, por el que la línea diagonal aportaba un mayor dinamismo que las composiciones horizontales y verticales.

La exposición presentó sesenta obras sobre papel realizadas entre 1911 y 1930, en la que ejemplos previos a De Stijl se relacionaban y complementaban con otras auténticamente representativas del movimiento.

El arte realizado en el período denominado de entreguerras (1918-1939) conoció una gran cantidad de artistas que asentaron las bases del arte contemporáneo posterior gracias a una creencia generalizada en la experimentación como motor creativo. La importancia que el IVAM dio a este período desde su creación en 1985 a través de la adquisición de obras y material gráfico, así como la organización de exposiciones internacionales tras su apertura en 1989 es palpable en muestras como la dedicada a László Moholy-Nagy (Bácsbársod, Hungría, 1895 – Chicago, EE. UU., 1946). Pese a estudiar Derecho, formación que interrumpe momentáneamente por la Primera Guerra Mundial, en 1918 se interesa por el cubismo y por los primeros artistas abstractos. Tras un breve paso por Viena, donde forma parte del grupo de vanguardia MA, se instala en Berlín en 1921 y entra en contacto con El Lissitzky, Theo van Doesburg y Kurt Schwitters, entre otros artistas. Por influencia de Lucia Schultz, con quien contrae matrimonio en 1921, empieza a incorporar la fotografía en sus obras, realizando foto-collages y, más adelante, a emplear materiales transparentes y translúcidos. En ese momento, su gran preocupación estética reside en resolver la presencia de la luz en la obra de arte, aspecto que llevó hasta el ámbito de la escenografía teatral y operística.

Walter Gropius le propone ingresar en la Bauhaus de Weimar en 1923, y allí se encarga del curso preliminar y del taller de los metales. Cinco años después, con el traslado del centro a Dessau y las presiones políticas inherentes al ascenso del nazismo, abandona la escuela y regresa a Berlín. No es hasta 1937 cuando se traslada a Chicago para dirigir la New Bauhaus, que fracasa un año después. Moholy-Nagy crea la School of Design, rebautizada en 1944 como Institute of Design, gran influencia en el desarrollo de la creación industrial. Enfermo de leucemia, fallece en Chicago en 1946, dejando una de las obras más eclécticas y experimentales de su época y un legado de gran valor en el ámbito de la educación artística.

Con motivo del 500 aniversario de la publicación de Tirant lo Blanch (1490), obra cumbre de la literatura del Siglo de Oro valenciano del escritor y caballero Joanot Martorell, se organizaron diversos eventos en Gandia y València. El conservador de fotografía Josep Vicent Monzó reunió a seis de los fotógrafos más representativos del momento para que ofrecieran una actualización de los paisajes de la comarca de La Safor, escenario de la novela caballeresca y patria de los Borja. La propuesta consistía en una estancia de diez días en la ciudad Ducal y el desarrollo de un proyecto fotográfico a partir de la documentación histórica, el recorrido por los paisajes de la comarca y las visiones actualizadas de los fotógrafos, relatores del cambio de paradigma en los usos y servicios de esta zona turística.

Fiel a su estilo, Gabriel Cualladó retrató el lado más humano de los habitantes de La Safor, demostrando su capacidad innata para trascender los límites de la naturalidad fotográfica. América Sánchez compuso una línea de la costa vista desde un kilómetro mar adentro, evidenciando las diferencias entre la historia y el presente. De un modo similar, Manel Esclusa buscaba referentes del libro en las nuevas construcciones turísticas, con su habitual estilo nocturno y de perfiles indefinidos. Manolo Laguillo fotografía de manera documental los edificios turísticos, otorgándoles la importancia como nuevos templos del capital turístico. Joan Fontcuberta realizó una serie de imágenes confeccionadas como foto-collages cargados de referencias simbólicas, entre abstractas y orgánicas. Cristina García Rodero, a su vez, retoma lo simbólico de los lugares que aún perduran de esa historia y los habita con personajes que evocan un salto en el tiempo. Ejemplos todos ellos de un tiempo donde lo fotográfico estaba evolucionando del índice al concepto.