Un taller de Diego Navarro, Darío Alva y Laura Costas
Diego Navarro y Darío Alva (artistas del Programa d’Art i Context) presentaron, junto a Laura Costas, Génesis: Taller de conceptualización de vidas imaginadas, un taller en dos partes en torno a uno de los ejercicios imaginativos más antiguos y persistentes de la humanidad: la especulación sobre formas de vida ficticias y su recorrido vital. Realizo los días 18 y 19 de noviembre de 2022, centraron una primera sesión a la visualización y análisis de fragmentos de medios cinematográficos, jugables y literarios que lidian con la representación de seres imaginados y su relación con los entornos naturales y la humanidad, desembocando en una segunda sesión en la que concretaron algunas de las potenciales fases de desarrollo de un ser imaginado como pueden ser los procesos iniciales de bocetado, el uso de herramientas asistidas por inteligencia artificial y bases de datos para la iteración de las ideas iniciales, procesos de manipulación sonora para expandir la personalidad del ser imaginado y, finalmente, una mirada a ejemplos del mundo de los videojuegos donde todos estos elementos convergen en simulaciones de vidas imaginadas que despiertan en nosotros emociones reales.
Laura Costas es una fabricante de muñecas y artefactos nacida en Vigo. Su obra gira en torno a los juguetes, la infancia y la violencia con trabajos como Another foolish contender, To die in the countryside o Demon baby has its mother eyes. Su producción va más allá de la escultura, trabajando también con medios sonoros, performáticos o sobre papel.
New Scenario (Paul Barsch y Tilman Hornig) desarrollaron, el pasado 11 de noviembre de 2022, un taller dedicado a la producción de espacios de exposición rápida, ad hoc, con obras de arte (proxi-) in situ. La actividad se centró en las oportunidades y los problemas de ciertos espacios a la hora de exponer más allá del cubo blanco. Así, se exploraron algunos espacios del IVAM y se trataron cuestiones de documentación y difusión. Estas exposiciones rápidas se llevaron a cabo con material de uso cotidiano del museo junto con objetos cotidianos o de arte que trajeron los participantes.
New Scenario
Desde 2015, el proyecto artístico y curatorial New Scenario, de los artistas visuales Paul Barsch y Tilman Hornig, ha concebido y realizado varias exposiciones online con artistas internacionales en escenarios narrativos –(off)site-specific, sin cubos blancos, que van más allá del espacio expositivo convencional– para explorar y redefinir nuevos formatos de presentación en la era post-digital. Su proyecto expositivo más reconocido, Body Holes, que tuvo lugar en todos los orificios del cuerpo humano, formó parte de la 9ª Bienal de Berlín. En 2021, estrenaron la exposición colectiva Chernobyl Papers, que se realizó en la zona de exclusión contaminada alrededor del reactor en ruinas.
Proyectos: Crash (2015), Jurassic Paint (2015), Body Holes (2016), Residency (2017), Hope (2017), Cameron Nichole is Chloe Sevigny is Bruce Nauman (2018), Whiteout (2019), Chernobyl Papers (2021). http://newscenario.net
Un taller con Álvaro Porras Soriano, Sofía Alemán Arozena y Miguel Rubio Tapia
La actividad se llevó a cabo los días 17 y 19 de octubre de 2022: dos sesiones destinadas a discurrir sobre sistemas de estudio y a proponer relaciones especulativas entre marcos teóricos, así como a definir métodos de recopilación de datos y estructuras de investigación desde las artes visuales, a los márgenes del academicismo universitario.
Estas sesiones, mediadas por Sofía Alemán Arozena, Miguel Rubio Tapia y Álvaro Porras Soriano (artista del Programa d’Art i Context), se plantearon como un grupo de estudio en el que se colectivizó la investigación de los asistentes para generar rutas e intercambios –fluidos, apofénicos y quiméricos– entre las propuestas discursivas de cada persona implicada en la actividad.
Sofía Alemán Arozena (Tenerife, 1997) investiga en torno a la teoría y la práctica fotográfica, su relación con el desarrollo de la visualidad contemporánea y su orden simbólico. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna y la Manchester Metropolitan University. Realizó el Máster en Fotografía, Arte y Técnica y el Máster en Producción Artística por la Universitat Politècnica de València. Actualmente es estudiante del Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación en la Universitat Politècnica de València.
Miguel Rubio Tapia (La Palma, 1999) trabaja desde la práctica artística y el comisariado. Su objeto de estudio orbita en torno a las formalizaciones que realiza el poder, desde las tendencias de producción capitalistas a la producción de conocimiento, para legitimarse y reproducirse a través del cuerpo. Es graduado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, por la rama de Transdisciplinares. Actualmente finaliza el Máster de Producción Artística en la Universitat Politècnica de València.
Historias remotas de tiempos antiguos hablan de demiurgos que amasaron el barro y le dotaron de forma y vida. La práctica del modelado, que nos otorga las huellas más antiguas del hombre, traza la historia de la creación humana y acompaña los inicios del pensamiento especulativo, religioso y espiritual. Cayetano Truyols y Claudia Dyboski –artista del Programa d’Art i Context– presentaron, los días 13 y 14 de octubre, un diálogo plástico con el público por medio del modelado como forma de expresión cognitiva. Los participantes fueron guiados por el proceso creativo de modelado / molde / reproducción, y a través de la creación y la manipulación figurativa, hacia su gólem personal, al que dotaron de vida propia.
Cayetano Truyols investiga los fenómenos transnacionales de la cultura otaku en la era del nativismo digital. El artista nos acerca a la filosofía y la identidad otaku para desentrañar nuevos imaginarios, diferentes caminos para la deconstrucción y los devenires políticos. Su producción se formaliza en un contexto entre la escultura y los medios digitales. Algunas de sus exposiciones recientes son: Emergency Gathering (Galería Acud Macht, Berlín, 2022), Inter* Role Players (Sant Andreu Contemporani,
Barcelona, 2021), Recorda el foc d’agost (Fabra i Coats, Barcelona, 2019). Es cofundador de Malpaís, un espacio ubicado en Barcelona gestionado por artistes, que comenzó a comisariar un programa de exposiciones a finales de 2021.
Marina González Guerreiro propone una actividad plural como parte de su investigación en el Programa d’Art i Context junto con Raúl Lorenzo, Sonia Tarazona y Ale Granero. La propuesta se basó en tres ejercicios de escritura, tres pequeñas excursiones para intentar salir del tiempo. Entendiendo la escritura de manera amplia, como registro o deseo de registrar, trataron de alejarse del tiempo lineal, cronológico, productivista y alienante que impera, para permitir que emerjan dinámicas como la pausa, la espera, la observación o la divagación. “Sin trucos de escapismo, nos vamos”.
Una pregunta
Raúl Lorenzo y Marina González Guerreiro (27 de septiembre, 18:30h)
Desde la creencia de que una pregunta puede viajar hacia una respuesta como el agua hacia la sed (Antropología del agua, Anne Carson), se planteó un paseo libre por la desembocadura del barranco del Carraixet en el que cada participante se hizo cargo de una pregunta planteada por otra persona, a modo de amigo invisible. Sin caer en la urgencia que impone a la duda una resolución inmediata, en este ejercicio de correspondencias e interpretaciones se permitieron que las preguntas nos mostraran su ritmo.
Raúl Lorenzo (Zamora, 1985) es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Producción Artística por la Universitat Politècnica de València. Ha sido residente en la fundación Bilbaoarte (Bilbao) y Residencias a Quemarropa (Alicante), premiado con las ayudas a la creación de la Fundación Villalar de Castilla y León. Ha colaborado con instituciones como el Museu de Belles Arts de València o el Museo Provincial de Zamora y desde el año 2022 es fundador y comisario de Saceca, un espacio de arte independiente situado en la provincia de València.
Un asiento propio. Escritura de un cuaderno de bitácora en un barco urbano
Sonia Tarazona (30 de septiembre, 18:30h)
Esta actividad nace de la falta de espacio y tiempo con une misme en las ciudades. Se planteó un ejercicio de escritura automática inmersiva en uno de los autobuses públicos de la línea C1 Centre Històric, partiendo de la parada EMT 796 – IVAM. La actividad constó de tres partes: lectura colectiva de textos relacionados con el tema y explicación de la dinámica, viaje y escritura del cuaderno bitácora, y lectura de los textos del cuaderno de forma anónima.
Sonia Tarazona (Castellón de la Plana, 1993) cursó el Grado de Bellas Artes y el Máster de Producción Artística en la Universitat Politècnica de València. Tras unos años trabajando en el ámbito de la gestión cultural en València emigró a Londres donde trabajó en la industria del cine y entró en contacto con el movimiento anarcofeminista de la ciudad, organizando festivales como By Any Zines Necessary o el grupo de encuentro para mujeres migrantes latinas Café Collective. Sin embargo, la crisis del Covid-19 dio un giro a su educación y tuvo que abandonar el Máster en Teoría del Arte en Goldsmiths London University para volver a España, donde cursó el Máster de Profesorado de la Universidad de València. Actualmente ha tomado las riendas del espacio pedagógico comunitario La Figuera en Escuela Meme y de la revista-fanzine feminista Gata Negra, a la vez que da clases de cómic y videojuegos en Centro Ciclope. Academia de Artes Digitales, y prepara la publicación de Transmitiendo entusiasmo. Guía práctica para introducir el fanzine en las aulas.
Observatorio de lo inesperado
Ale Granero (30 de septiembre, 21:00h)
Cuando pensamos en la caída de un rayo, la mayoría de la gente lo hacemos imaginando una tormenta y no esperamos que caiga en un día despejado, aunque podría pasar cualquier día. Cuerpo con cuerpo, se construyó un observatorio desde el que esperar lo inesperado y pensar en todo aquello que nos cae del cielo o nos viene dado. Al final de la actividad se trazó un mapa con las observaciones.
Ale Granero (1992) es investigador en creación artística. Su trabajo reflexiona sobre las poéticas del habitar y las tensiones que operan en el campo de las visualidades críticas. Es doctor en Arte y Producción por la Universitat Politècnica de València. A veces sus investigaciones toman forma de texto. Otras veces, forma de gestos artísticos. Actualmente reside en Barcelona, donde continúa sus estudios en el Máster Universitario en Estudios Comparados de Arte, Literatura y Pensamiento de la Universitat Pompeu Fabra.
Claudia Dyboski (artista del Programa de Arte y Contexto) invitó al escultor valenciano Óscar Carretero para impartir un taller que repensó los materiales y discursos que ambos comparten en su práctica artística.
«Trash» es un taller de escultura con materiales reciclados y objetos encontrados. Óscar Carretero y Claudia Dyboski proponen un acercamiento a la producción artística sin recursos, sin pautas, sin técnica. Ellos mismos afirman que «es muy común entre los artistas jóvenes el uso de objetos residuales en sus proyectos, tanto por una evidente precariedad como por una verdadera fascinación por los deshechos. Con esta actividad, pretendemos transmitir la importancia que tiene este tipo de material encontrado, desechado, y mostrar al público el potencial que tiene como medio escultórico».
Óscar Carretero marca su práctica artística por sus raíces, un pueblo de la costa valenciana de carácter tradicional y cerrado. Tras una avalancha de ideas y nuevas necesidades de expresión, el eje vertebrador de su obra gira en torno a la mecanización de las emociones mediante prótesis escultóricas, que interactúan con su corporeidad de forma íntima y visceral, con una naturaleza performativa y estética. A través de materiales industriales y mecánicos, manifiesta una sinergia entre una funcionalidad más calculada y un registro abierto al error.
El Programa d’Art i Context ofreció una sesión de rol impartido por los invitados Omsk Social Club el pasado jueves 24 de marzo de 2022. “Worlding as Workshop” utiliza la metodología de este colectivo que se basa en el Real Game Play (trancing y bodying) para confeccionar un experimento participativo de worlding. Empleando una infraestructura de visualización descentralizada y formas de pensamiento para los participantes, Omsk Social Club desarrolla un nuevo tipo de visión dirigido a un grupo reducido, un trabajo al que denominan “percepción como participación”.
Los conceptos que impulsan a Omsk Social Club se basan en preguntas como ¿quién tiene la autoridad para construir la realidad?, ¿está el inconsciente consensuado?, y temas como la narración colaborativa, la inmortalidad sin nacimiento y el espacio sangrante.
El trabajo de Omsk Social Club se crea entre dos mundos vividos, el de la vida tal y como la conocemos, y el de los juegos de rol. Estos mundos se funden en uno solo. Ahí es donde Omsk posiciona sus ficciones especulativas, a través de instalaciones inmersivas que se mueven en un territorio que acuñaron en 2017 llamado Real Game Play (RGP). Su trabajo pretende inducir estados que potencialmente podrían ser una ficción o una realidad aún no vivida. Para saber más sobre esta propuesta, el texto “The Living Theatre: Real Game Play as Worldcraft” (publicado en ocasión de la exposición Máscaras [Masks] en 2020, en la Galeria Municipal do Porto, comisariado por Valentinas Klimašauskas y João Laia) ha sido traducido por el IVAM y está disponible aquí.
Omsk trabaja en estrecha colaboración con redes de espectadores: todo es único y no ensayado. Las instalaciones que crean examinan los egos virtuales, las experiencias populares y los fenómenos políticos, permitiendo que las obras se conviertan en un híbrido desmaterializado de la cultura actual junto a las experiencias personales únicas del participante. En el pasado, los entornos inmersivos de Real Game Play de Omsk Social Club han introducido paisajes y temas como el otherkin, la cultura rave, el survivalism, el catfishing, el deseo&sacrificio, el trolleo positivo, las estrategias algorítmicas y la criptodivisa descentralizada.
Han expuesto por toda Europa en diversas instituciones, galerías, teatros y espacios como Martin Gropius Bau, House of Electronic Kunst Basel, HKW, Berlín, Seventeen, London Volksbühne, Berlín, Stroom den Haag, Den Haag Netherlands y Light Art Space Berlín. Han sido incluidos en CTM Festival (2021), 34ª Bienal de Liubliana (2021) 6ª Bienal de Atenas (2018), Transmediale Festival (2019), The Influencers (2018) e Impakt Festival (2018). En 2021 fueron co-curadores de la 7ª Bienal de Atenas con Larry Ossei-Mensah.
