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Con la participación de Bella Báguena, Yael Vidal y Antoni Jorge

En el quinto Berenar de Art i Context 2023-2025, Bella Báguena invitó a Yael Vidal y Antoni Jorge con su proyecto instalativo «El escondite. Sábanas refugio» y su correspondiente mediación gastronómica para generar un espacio de cobijo y juego. Partiendo del gesto infantil de construir un escondite y disfrutar una merienda bajo las sábanas, se invita a una experiencia colectiva en la que encontrarse en un entorno seguro y acogedor para compartir secretos, cuentos y bocaditos. Se abordará la importancia de la alimentación y los espacios íntimos en la consolidación de lazos afectivos y en la creación de comunidades disidentes. «Te invitamos a unirte a nosotres el 3 de julio para esta tarde especial, donde la nostalgia y la ternura mediante la comida se entrelazan en un refugio secreto y común».

La actividad se llevó a cabo el 3 de julio de 2024 en el Lab3 del IVAM. La instalación de Yael Vidal contó con la asistencia artística y técnica de Almudena Soullard.

Yael Vidal comienza sus estudios en Sociología para terminar Bellas Artes en la UPV. Cursa un Máster en Ilustración, y se especializa en escenografía. Participa en el programa de estudios Articulacions del IVAM, y actualmente investiga en el Máster en Estudios culturales, artes visuales y perspectivas kuir (MUECA). Ha participado en exposiciones colectivas en centros como el IAM en Dakar. Es parte del grupo de investigación Prrovisional, y participa en Recreo Artbook Fair con el fotolibro Atlas Y, que desarrolla con Almudena Soullard, por el que reciben el premio III Convocatoria a la Creació Artística de la Regidoria de Joventut del Ajuntament de València. Actualmente imparten talleres en centros sociales y culturales como el EACC. Comparte también otros proyectos como Inner.Face, el último en el marco de Articulacions 24 en el IVAM.

Antoni Jorge López estudió Humanidades y el Máster en Estudios culturales, artes visuales y perspectivas kuir (MUECA), en la Universidad Miguel Hernández. Su trabajo ha partido siempre desde la militancia en movimientos de base y en espacios autogestionados, especialmente a través de la mediación gastronómica como herramienta de intervención comunitaria; polentadas queers, heladerías transfeministas y autogestionadas o comiditas para compartir en colectivo desde entornos politizados. La gastronomía, pero especialmente el acto de comer como momento de reunión a través del cual generar colectivo.

Con la participación de Sandra Mar, Mar Reykjavik y Carlos Correcher

En este Berenar de Art i Context 2023-2025, Sandra Mar invitó a Carlos Correcher y a Mar Reykjavik a mantener una conversación en torno a cómo las formas artísticas se ven afectadas por las relaciones personales. A partir de las reflexiones de la artista Lorea Alfaro sobre la manera en que las relaciones afectivas moldean las prácticas artísticas, se propuso un diálogo colectivo para hablar de la relación entre los procesos artísticos y las personas que los acompañan en su transcurso. Se trata de todas esas conversaciones y experiencias significativas, ya sea en torno a la creatividad o no, que devienen referentes en sí mismos. Este fue el punto de partida para hablar de otras cuestiones como la preocupación por las formas o las malas formas en los diferentes lenguajes que cada una emplea.

El berenar tuvo lugar en la cafetería del IVAM el 15 de mayo de 2024.

Carlos Correcher (Valencia, 1992) estudió Bellas Artes y el Máster de Producción Artística en la Universitat Politècnica de València, donde se especializó en pintura, el lenguaje a partir del que se articula todo su trabajo: se sirve de ella para pensar en todo aquello que le rodea. Sus pinturas y animaciones 3D han aparecido en exposiciones colectivas como Dream A Verse (Tuesday To Friday, 2022) y en la muestra individual Todo lo que pasa (Luis Adelantado, Valencia, 2022). En la actualidad hace lo mismo que siempre.

Mar Reykjavik (Sagunto, 1995) estudió Bellas Artes, con especialización en la imagen en movimiento, la instalación y la acción. Realizó el Máster en MasterLav ‘Laboratorio de creación audiovisual contemporánea’ compaginado con la Residcencia para Artistas del Espacio Oculto, hasta 2018. En 2018 fue artista residente en la Fundación Bilbaoarte, donde desarrolla WAAITT. En 2019 es una de las artistas becadas por el GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana para realizar un proyecto en el marco de Resistències. Realiza una de las residencias ‘Artistas en Residencia de La Casa Encendida + CA2M’. Su trabajo se ha expuesto en espacios como Galería Rosa Santos, Pols, La Gallera, CA2M, Espacio Oculto, Storm And Drunk, COAC-Fotonoviembre, Galeria NGBK o SupermarketArtFair o el Centro Cultural el Recoleta, entre otros.

Con la participación de Bella Báguena, Pablo Bolumar, Cuca Berenguer y Nacho Zacarés

En el tercer Berenar de Art i Context 2023-2025, llevado a cabo el 1 de marzo de 2024, las artistas del programa Bella Báguena y Pablo Bolumar invitaron a Cuca Berenguer y Nacho Zacarés a compartir sus procesos creativos con unas tortillas, muebles, manteles, focos, proyectores… Las asistentes participaron en un montaje colectivo, una construcción de escena que les acercará a los procesos del museo y de las artistas.

Cuca Berenguer es una artista visual en constante exploración de medios, donde poder jugar y evolucionar, con un lenguaje que se repite y se transporta creando universos llenos de ironía y color, donde el error es un medio de libertad más que de limitación.

Nacho Zacarés es un artista, diseñador y productor musical residente entre Valencia y Barcelona. Su trabajo, ubicado en la intersección del arte, diseño, sonido y tecnología, fusiona de manera fluida los ámbitos digital y físico, generando expresiones impredecibles a través de la experimentación. Recientemente se han podido ver sus proyectos en Matadero (Madrid) y Rauch Offspace (Krefeld).

Con la participación de Juan de Dios Morenilla, Marco Henri, Agnès Pe y Daniel Dobarco

El 27 de enero de 2024 se llevó a cabo el segundo Berenar de la segunda edición de Art i Context. Los artistas Juan de Dios Morenilla y Marco Henri invitaron a Agnès Pe y Daniel Dobarco a dialogar con un aperitivo.

Los participantes dialogaron sobre la línea difusa que separa aquellos aspectos humorísticos, lúdicos o caprichosos de sus trabajos, de aquellos que no lo son propiamente y de cómo ambas partes conviven e interactúan ya sea desde lo formal o lo narrativo.

Daniel Dobarco (Castelló, 1988) es licenciado en Bellas Artes y máster en Producción Artística de la Universidad Politécnica de València. Su obra ha sido expuesta en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo las galerías Tuesday to Friday y Fran Reus en España y la galería Slika en Francia. En 2024, será expuesto en la Galería Veta, en Madrid, así como en Urban Spree, Berlín. A través de la pintura y la escultura, Dobarco crea espacios que hacen referencia a la cultura fantástica y al mundo de los videojuegos. Su obra crea un mundo ficticio desde un punto de vista tragicómico, habitado por seres extraído de la nueva mitología gamer, la literatura de ficción y la cultura popular, pero que al final no es más que un reflejo histriónico de nosotros mismos, por así decirlo, estos personajes representan una revisión de los arquetipos tradicionales.

Agnès Pe (Lleida, 1985) es investigadora, productora musical, docente y musicóloga autodidacta. Trabaja de una manera siempre espuria ante los modelos estéticos heredados de la cultura romántica tardía, agitando así los límites tan aparentemente definidos por las taxonomías imperantes. Le atrae lo inusual y los refrentes culturales extremos, buscando siempre nuevas maneras de relacionarse con los elementos que recompone. Respecto a lo sonoro, se maneja mediante la atonalidad, melodías alteradas y texturas estridentes. Sus proyectos se han expuesto en Conde Duque (Madrid), Tabakalera (Donosti) o Matadero (Madrid). Ha realizado conciertoes en MACBA (Barcelona), Centro Botín (Santander), CA2M (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), La Panera (Lleida) o Larraskito (Bilbao), además de festivales internacionales como BangFace (UK) o Piksel (NOR). Actualmente es colaboradora en RRS (Ràdio del Museu Reina Sofia) i ResonanceExtra (UK).

Con la participación de Gema Quiles, Sandra Mar, Miguel Ángel Erba y Juan Ripoll

Para el primer Berenar de Art i Context 2023-2025, que se llevó a cabo el 14 de diciembre de 2023, Gema Quiles y Sandra Mar invitaron a Miguel Ángel Erba y Juan Ripoll para hablar del boceto. Los cuatro participantes tomaron sus apuntes como punto de partida para indagar y exponer sus procesos de trabajo y todo aquello que acaba configurando su práctica.

El boceto se entiende como un medio idóneo para imaginar posibilidades plásticas en torno a unos pensamientos. Por su carácter instantáneo y su simplicidad de medios, es entendido como una herramienta que permite derivar esas primeras ideas a múltiples formas, texturas y colores. Partiendo de esta idea, se plantearon diversas formas de elaborar y de utilizar el boceto. Por una parte, se elegieron, entre esas pruebas de color y de composición, aquellas que quisieron llevarse a otra dimensión y a otro soporte para trabajar en base a ella. Por otra, se tomaron esos apuntes, más automáticos y caóticos, como una excusa o ligera idea inicial para comenzar a trabajar otro material y otra escala. De esta manera, el uso del boceto pasó a determinar cuál es la forma en la que estos artistas se enfrentan al soporte y al material definitivo, dando más lugar al azar o intentando controlar más el resultado, no necesariamente como posturas enfrentadas, sino como opciones que en todo el proceso se van alternando y mutando. Se habló también de las imágenes de referencia como algo que nos sugiere o algo de lo que huir conscientemente, de cómo nos influye el contenido que consumimos y en qué lugar lo coloca cada una. Con todo ello, los participantes plantearon una conversación colectiva para indagar en los procesos y ese encanto de las pequeñas piezas previas.

Juan Ripoll (València, 1995) trabaja en proyectos artísticos en torno a problemáticas que surgen desde la fotografía y que avanzan hacia territorios híbridos. Entre algunas de sus exposiciones individuales destacan Tráeme flores por favor (Artnit, Mallorca, 2018) o Everlasting Love and Coal (La Posta, València, 2017). Su trabajo fue incluido en el número dos de la revista Unstate. Fue seleccionado para participar en el grupo de investigación del CCCC (València) en el ciclo anual «Totalidad e Infinito», comisariado por Diana Guijarro y M Reme Silvestre.

Miguel Ángel Erba (València, 1994) trabaja a partir de la gestualidad, el movimiento y la emoción como aspectos clave en su proceso pictórico, que beben de ciertas prácticas del arte urbano –contexto en el que ha estado inmerso durante años–, donde se requiere actuar con grandes formatos y en la mayor brevedad de tiempo. Para Erba, la pintura es un medio con el que poder expresarse de manera sincera, alejado de la palabra y del pensamiento racional, y crear un imaginario propio de historias y relatos influenciado por la literatura, la música y el cine.