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Charla y “una pinchada diferente”

A modo de exclusiva mundial, el programa Art i Context 2023-2025 tuvo el honor de presentar la primera charla de DJ Detweiler, que nos llevó por un fascinante viaje retrospectivo de sus diez años de carrera musical. Aprendimos todo lo necesario para NO tener éxito en la industria musical, tanto como artista como DJ. Todos los trucos y consejos sobre imagen, exposición, decisiones creativas o estéticas para que los periodistas musicales marquen tu correo como SPAM, y técnicas de DJ para dejar al público desconcertado y que nunca te vuelvan a contratar en el mismo club dos veces.

La visita de DJ Detweiler se complementó con una “pinchada diferente”, una sesión en vivo el mismo sábado 17 de febrero en el hall del IVAM. El músico ofreció al público asistente, pequeños y mayores, su particular y rupturista acercamiento al arte de la mezcla a través de una sesión especial, coincidiendo con el aniversario del IVAM.

Durante los últimos 4 años, DJ Detweiler ha dedicado su tiempo a una intensa labor de investigación musical para su programa “Weird Flex” en Radio Primavera Sound (https://soundcloud.com/d-j-detweiler/sets/weird-flex), en el que agrupa canciones que comparten patrones muy específicos, variando en cada episodio. No obstante, la historia de DJ Detweiler se remonta a 2013, cuando surgió como resultado de un meme musical que cuestionaba la tendencia “subidon-drop”, limitando la música de baile a solo dos patrones estéticos. Desde entonces, destacan algunos acontecimientos como la autoría de un cuento corto (theeminemparadox.com), el nombramiento como 5º mejor DJ nacional según la revista Rockdelux en 2015 o las participaciones en festivales como Sonar (ES), Ars Electronica (AT), Elevate Festival (AT), Bangface Weekender (UK), entre otros.

Con la participación de Juan de Dios Morenilla, Marco Henri, Agnès Pe y Daniel Dobarco

El 27 de enero de 2024 se llevó a cabo el segundo Berenar de la segunda edición de Art i Context. Los artistas Juan de Dios Morenilla y Marco Henri invitaron a Agnès Pe y Daniel Dobarco a dialogar con un aperitivo.

Los participantes dialogaron sobre la línea difusa que separa aquellos aspectos humorísticos, lúdicos o caprichosos de sus trabajos, de aquellos que no lo son propiamente y de cómo ambas partes conviven e interactúan ya sea desde lo formal o lo narrativo.

Daniel Dobarco (Castelló, 1988) es licenciado en Bellas Artes y máster en Producción Artística de la Universidad Politécnica de València. Su obra ha sido expuesta en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo las galerías Tuesday to Friday y Fran Reus en España y la galería Slika en Francia. En 2024, será expuesto en la Galería Veta, en Madrid, así como en Urban Spree, Berlín. A través de la pintura y la escultura, Dobarco crea espacios que hacen referencia a la cultura fantástica y al mundo de los videojuegos. Su obra crea un mundo ficticio desde un punto de vista tragicómico, habitado por seres extraído de la nueva mitología gamer, la literatura de ficción y la cultura popular, pero que al final no es más que un reflejo histriónico de nosotros mismos, por así decirlo, estos personajes representan una revisión de los arquetipos tradicionales.

Agnès Pe (Lleida, 1985) es investigadora, productora musical, docente y musicóloga autodidacta. Trabaja de una manera siempre espuria ante los modelos estéticos heredados de la cultura romántica tardía, agitando así los límites tan aparentemente definidos por las taxonomías imperantes. Le atrae lo inusual y los refrentes culturales extremos, buscando siempre nuevas maneras de relacionarse con los elementos que recompone. Respecto a lo sonoro, se maneja mediante la atonalidad, melodías alteradas y texturas estridentes. Sus proyectos se han expuesto en Conde Duque (Madrid), Tabakalera (Donosti) o Matadero (Madrid). Ha realizado conciertoes en MACBA (Barcelona), Centro Botín (Santander), CA2M (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), La Panera (Lleida) o Larraskito (Bilbao), además de festivales internacionales como BangFace (UK) o Piksel (NOR). Actualmente es colaboradora en RRS (Ràdio del Museu Reina Sofia) i ResonanceExtra (UK).

Con la participación de Gema Quiles, Sandra Mar, Miguel Ángel Erba y Juan Ripoll

Para el primer Berenar de Art i Context 2023-2025, que se llevó a cabo el 14 de diciembre de 2023, Gema Quiles y Sandra Mar invitaron a Miguel Ángel Erba y Juan Ripoll para hablar del boceto. Los cuatro participantes tomaron sus apuntes como punto de partida para indagar y exponer sus procesos de trabajo y todo aquello que acaba configurando su práctica.

El boceto se entiende como un medio idóneo para imaginar posibilidades plásticas en torno a unos pensamientos. Por su carácter instantáneo y su simplicidad de medios, es entendido como una herramienta que permite derivar esas primeras ideas a múltiples formas, texturas y colores. Partiendo de esta idea, se plantearon diversas formas de elaborar y de utilizar el boceto. Por una parte, se elegieron, entre esas pruebas de color y de composición, aquellas que quisieron llevarse a otra dimensión y a otro soporte para trabajar en base a ella. Por otra, se tomaron esos apuntes, más automáticos y caóticos, como una excusa o ligera idea inicial para comenzar a trabajar otro material y otra escala. De esta manera, el uso del boceto pasó a determinar cuál es la forma en la que estos artistas se enfrentan al soporte y al material definitivo, dando más lugar al azar o intentando controlar más el resultado, no necesariamente como posturas enfrentadas, sino como opciones que en todo el proceso se van alternando y mutando. Se habló también de las imágenes de referencia como algo que nos sugiere o algo de lo que huir conscientemente, de cómo nos influye el contenido que consumimos y en qué lugar lo coloca cada una. Con todo ello, los participantes plantearon una conversación colectiva para indagar en los procesos y ese encanto de las pequeñas piezas previas.

Juan Ripoll (València, 1995) trabaja en proyectos artísticos en torno a problemáticas que surgen desde la fotografía y que avanzan hacia territorios híbridos. Entre algunas de sus exposiciones individuales destacan Tráeme flores por favor (Artnit, Mallorca, 2018) o Everlasting Love and Coal (La Posta, València, 2017). Su trabajo fue incluido en el número dos de la revista Unstate. Fue seleccionado para participar en el grupo de investigación del CCCC (València) en el ciclo anual «Totalidad e Infinito», comisariado por Diana Guijarro y M Reme Silvestre.

Miguel Ángel Erba (València, 1994) trabaja a partir de la gestualidad, el movimiento y la emoción como aspectos clave en su proceso pictórico, que beben de ciertas prácticas del arte urbano –contexto en el que ha estado inmerso durante años–, donde se requiere actuar con grandes formatos y en la mayor brevedad de tiempo. Para Erba, la pintura es un medio con el que poder expresarse de manera sincera, alejado de la palabra y del pensamiento racional, y crear un imaginario propio de historias y relatos influenciado por la literatura, la música y el cine.