Places categories: IVAM Centre Julio González

Con motivo de la presentación del Aplec de Disseny, el IVAM organiza una mesa redonda sobre diseño editorial con los componentes del colectivo, formado por: Sebastián Alós, Dídac Ballester, Antonio Ballesteros, Alejandro Benavent, Enrique Casp e Ibán Ramón. Modera: Álvaro de los Ángeles

Lugar: en la Galería 4, dentro de la exposición «Construyendo nuevos mundos. 1914-1945»

Conversación entre el artista, Rogelio López Cuenca y la comisaria de la exposición y conservadora del IVAM, Teresa Millet, con motivo de la exposición «RADICAL GEOGRAPHICS Rogelio López Cuenca«

Rogelio López Cuenca, Nerja 1959, centra su práctica artística en torno al análisis de los mass media, la construcción de las identidades y la crítica cultural, trabajo que desarrolla mediante publicaciones, cursos, exposiciones, intervenciones en espacios públicos urbanos, en la TV o en internet (www.malagana.com), recurriendo a  procedimientos propios tanto de las artes visuales como de la literatura o las ciencias sociales.

En abril, mayo y junio de 2015 ha coordinado diferentes sesiones del taller No/w/here Valencia organizado con la colaboración de la Facultad de BBAA de San Carlos de la UPV de Valencia.  Los resultados de las investigaciones de este grupo de trabajo formarán parte de la exposición que se presentará en la galería 6 del IVAM en otoño de 2015.

La ciudad es una colección de trofeos, una exposición pública permanente del botín acumulado por los sucesivos vencedores a lo largo de la historia. Pero ese depósito de documentos de legitimación es también un almacén de casos archivados, a la fuerza cerrados, no resueltos, negados: un archivo de la omisión, las páginas descartadas de la memoria de los ignorados, los versos suprimidos de las canciones de los olvidados.

Conversación con motivo de la inauguración de la exposición Gillian Wearing.

Esta muestra dedicada a la conocida artista británica Gillian Wearing, la primera en España desde 2001, recoge tanto obras muy recientes como otras anteriores en las que Wearing se sitúa como facilitadora, participante, o ambas cosas, mientras analiza el concepto de público en el retrato individual y colectivo. Las obras seleccionadas reflejan la estrecha relación que la artista tiene con la representación de las personas tal y como éstas son.

La exposición contiene extraordinarias capas de tiempo y de verdad, en un registro formal de obras que incluye películas, fotografía y escultura. Las películas clave de la artista presentan, respectivamente, un taller sobre el acoso, unas personas ebrias, y otras que ya están muertas pero que recuerdan. Las conocidas obras de Wearing sobre sí misma y su familia muestran un juego con el tiempo y con el papel de la fotografía, de las instantáneas o de los ‘realities’ de televisión.

Algunos de los temas tempranos de las obras de Wearing, como las confesiones en las que la gente cuenta verdades inquietantes tras una máscara mal ajustada, continúan aquí, en dos cabinas separadas, construidas especialmente para esta exposición. La meticulosa atención que Wearing presta a la verdad del tiempo a través del envejecimiento de la representación, y ahora, también, de la representación del propio envejecimiento, nos muestra a la artista proyectándose en el futuro, imaginándose como una mujer décadas más mayor. La fluidez del tiempo, los cambios de sentido, convierten esta exposición en una experiencia potencialmente pertubardora pero también conmovedora.

Mesa redonda sobre coleccionismo «Coleccionando experiencias» realizada en colaboración con la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915, con motivo de la celebración de Abierto Valencia, organizado por la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana, LaVAC.

Participantes:

Alicia Ventura, responsable artística dela Colección DKV Arte y Salud

“Privado – Corporativo: dos formas de satisfacer una pasión”

Javier B. Martín, conservador de la Colección ARS Citeror

“De coleccionista a conservador”

Nacho Tomás Gil, director de Naranjas con arte

“El arte y su integración en el ámbito comercial”

José Pedro Martínez García, director del Patronato Martínez Guerricabeitia

“A ambos lados del espejo: de colección familiar a colección institucional”

Moderador: José Miguel G. Cortés, director del IVAM

Continuamos con la serie de conversaciones entre artistas destinadas a relacionar trabajos y proyectos que guardan similitud entre sí –o que plantean diferencias- con la intención de poner sobre la mesa conceptos clave que ayuden a entender la práctica artística contemporánea. La intención es poder dialogar, repensar, imaginar o contraponer ideas. Para que éstas, y su concreción en formas artísticas diversas, vuelvan a ser elemento consustancial del debate sobre la cultura y el arte contemporáneos. Y para que sean los artistas quienes las expongan.

Conversación entre los artistas Ana Navarrete y Pepe Miralles.

Ana Navarrete (Valencia, 1965) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla – La Mancha, de la cual es Miembro del Consejo de Cultura y del Claustro Universitario y Profesora Titular del Departamento de Arte, Facultad de Bellas Artes. Fue decana de esta facultad desde abril del 2008 hasta mayo del 2014. Es investigadora principal del grupo INDEVOL y ha realizado numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Entre sus últimos proyectos destacar: N340 Globalfem: http://n340.org/inicio_n340.html y Nadie se acuerda de nosotras mientras estamos vivas: http://nadieseacuerdadenosotras.org. Combina su trabajo artístico, docente e investigador, con la publicación de textos, y la organización de eventos. Sus intereses se centran en campos diversos relacionados con las prácticas culturales y las políticas feministas.

Pepe Miralles (Xàbia, 1959) Artista visual y profesor en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Doctor en Bellas artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Dentro de su actividad artística, ha realizado distintas exposiciones individuales, de las que destacan: Para tratar de comprender dónde estamos o qué pasa, (Espai d’Art A. Lambert, Xàbia, Alicante, 1994); Etnografía de una enfermedad social, (Museo de Antropología, Madrid, 1994);  Mantener, sostener, sustentar, (Cisterna Medieval, Quart de Poblet, Valencia, 2000); Que me den, (Galería Colorelefante, Valencia, 2002 y La Fábrica de Licors, Palma de Mallorca, Illes Balears, 2003); Proyecto Sida Social/3 Bilbao (Yohn Jaureguia, Bilbao, 2007); Proyecto Sida Social/4 Manacor (SACMA, Sala per l’ar i la cultura, 2009); Proyecto Sida Social/5 Bilbao (Bibliotecas Municipales, Casales de Jóvenes y Centros culturales, 2009). También ha participado en la creación de grupos de trabajo artístico como Proyecto 1 de Diciembre, (Valencia, 1991) y Colectivo Local Neutral, (Valencia, 1996), ambos dedicados a la lucha contra el SIDA. En la actualidad es director de la Cátedra Arte y Enfermedades de la Universitat Politécnica de València.

Continuamos con la serie de conversaciones entre artistas destinadas a relacionar trabajos y proyectos que guardan similitud entre sí –o que plantean diferencias- con la intención de poner sobre la mesa conceptos clave que ayuden a entender la práctica artística contemporánea. La intención es poder dialogar, repensar, imaginar o contraponer ideas. Para que éstas, y su concreción en formas artísticas diversas, vuelvan a ser elemento consustancial del debate sobre la cultura y el arte contemporáneos. Y para que sean los artistas quienes las expongan.

Conversación entre las artistas Salomé Cuesta y Mª José Martínez de Pisón, profesoras de la Facultad de BBAA, Universidad Politécnica de Valencia y miembros del Laboratorio de Luz.

Iniciamos una serie de conversaciones entre artistas destinadas a relacionar trabajos y proyectos que guardan similitud entre sí –o que plantean diferencias- con el propósito de poner sobre la mesa conceptos clave que ayuden a entender la práctica artística contemporánea. La intención es poder dialogar, repensar, imaginar o contraponer ideas. Para que éstas, y su concreción en formas artísticas diversas, vuelvan a ser elemento consustancial del debate sobre la cultura y el arte contemporáneos. Y para que sean los artistas quienes las expongan.

Conversación entre los artistas Toño Barreiro y Sergio Barrera.

Toño Barreiro (Zamora, 1965) viene desarrollando, desde mediados de la década de los ochenta, un trabajo multidisciplinar que alterna la fotografía, la pintura, la escultura y los procesos digitales. El cuestionamiento de los límites del medio pictórico, a través del juego con elementos escultóricos, la ruptura del marco tradicional de la pintura y las técnicas digitales, es una constante en el trabajo. En su trabajo se pueden observar toda una serie de nuevas metodologías y procesos creativos que dan lugar a pinturas sinuosas y sinestésicas, jugando con el concepto de la deconstrucción, lo simbiótico, o los procesos biológicos más elementales.

Sergio Barrera (Valencia, 1967). «Pintar es una manera de aprender de los descubrimientos de otros, tal y como dice la Ciencia. Algo que desde la perspectiva de la tradición y sus formas de transmisión resulta más que evidente, como es natural. En este sentido y frente a la duda levantada relativa a las ideas de autor y autoría, manejo la opción -aunque sea sólo como juego y deriva dadaísta y conceptual, si se prefiere- de realizar unas pinturas que, a pesar de mi presencia en la práctica, se desligaran de lo personal. Que el pintar y lo pintado no sean muestra de la idea de propiedad sobre lo hecho, sino, en todo caso, la de la posibilidad, en el sentido de apertura. Cabe destacar, que esta reflexión es producto de la observación sobre una serie de gestos pictóricos que se repiten, a modo de constante, tanto en las pinturas que yo mismo hacía como en otras muchas. Gestos, en un sentido amplio, en cuya aparición casi pueden apreciarse las mismas frecuencias e intensidades.» (Extraído de la nota de prensa de la exposición REGISTRO A ESCENA, superposición y entrelazamiento. Galería SET)