Joana Vasconcelos / Big Booby #4, 2018 Colección del artista DMF, Lisboa ©Unidade Infinita Projectos, VEGAP, Alcoi, 2019
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ColecciónIVAM Alcoi
La exposición arranca señalando los valores formales que liberaron el arte textil del interiorismo y lo lanzaron a la conquista del espacio, deshaciéndose del influjo de la pintura. A partir de las aportaciones de Jean Lurçat y los encuentros organizados por el Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausana, aparecieron nuevos materiales, texturas y volúmenes que abrieron nuevos caminos de investigación y que artistas como Aurèlia Muñoz y Josep Grau-Garriga, desde el ámbito del tapiz, o Antoni Tàpies, desde los postulados informalistas, contribuyeron a afianzar. La muestra partirá de esos logros para introducirse en líneas más contemporáneas, donde el entramado sociocultural y las premisas conceptuales se convierten en la base de la creación artística. La lucha feminista, el tratamiento del cuerpo, la definición de identidades o la protesta social y política serán algunos de los temas por los que viajará el espectador a través de las obras de Clemencia Labin, Polly Apfelbaum, Joana Vasconcelos, Cosima von Bonin, Kimsooja, Yinka Shonibare, Cristina Lucas, Carolina Caycedo, Laure Prouvost, Annette Messager, Eva Lootz, Ricardo Cotanda, y Robert Morris, entre otros.
Esta propuesta familiar constará de una visita-taller en torno a la exposición “Toda la Ciudad habla de ello. Pintura española en la colección del IVAM“. La exposición de la que partiremos, lleva por nombre una frase misteriosa procedente del artista Eduardo Arroyo. A partir de este misterio, como si de un hechizo se tratara, exploraremos la noche, los gángsters, los rascacielos, los neones, los crímenes por descubrir, los encuentros por producirse, y los diferentes matices del bruno (de Arroyo, Saura, Millares, etcétera). Empleando las referencias del cine negro (tal como Arroyo solía hacer) nos adentraremos en las diferentes imágenes evocadas de la ciudad, desde 1956 hasta 2002, ciudades en transformación, ciudades que crecen con nosotros, ciudades ficcionadas y vividas.
Proponemos a las familias averiguar una serie de pistas sobre las escenas encontradas, para recoger con nuestros dispositivos (móviles) los sucesos, y generar un diálogo en el lenguaje de este cine negro entre las visitantes, las obras y nuestra imaginación. Cada sesión abordaremos unas obras y se producirán diferentes activaciones de estas, por eso puede repetir! Al finalizar las sesiones recogeremos y proyectaremos en una muestra todas las filmaciones realizadas.
Fechas: 12 de mayo al 9 de junio
Días y hora:
Mayo sábados 18 y 25 a las 10:30 horas
Mayo domingos 12, 19 y 26 a las 11:00 horas
Junio sábados 1 y 8 a las 10:30 horas
Junio domingo 2 a las 11:00 horas
Junio domingo 9 a las 10:30 horas
Junio domingo 9 a las 12:15 horas muestra de cortometrajes
Duración: 1 hora 30 minutos aproximadamente
Dirigido a: familias con niñas y niños de 5 a 10 años
Aforo máximo: 20 personas entre niñas, niños y adultos
Diseño: Marc Brell y Laura Pastor
Ejecución: Mari Llanos Iborra
Taller gratuito
Colabora:
A partir de la disposición de las obras en la exposición, entendiendo ésta como un conjunto de escenas (escenario de acciones), proponemos al grupo averiguar la historia que detrás de ellas se esconde. De manera conjunta yendo desde lo tangible a lo intangible, de lo técnico a lo poético, o a la inversa, construiremos de manera grupal un relato conjunto, partiendo de la obra y trayectoria artística de los/las artistas como inspiración. ¿Sabremos de qué habla toda la ciudad?
Fechas: 11 Mayo 2019 – 8 Junio 2019
Días y hora : sábados 11 (12:00h), 18 y 25 de mayo (12:15h). 1 y 8 de junio a las 12:15 h
Duración: 1 hora aproximadamente
Dirigido a: público adulto
Aforo máximo: 30 personas
Diseño: Marc Brell y Laura Pastor de Clarió Recursos Lúdico-Educativos
Impartida por: Mari Llanos Iborra
Uno de los ejes fundacionales de la colección de pintura española del IVAM es el conjunto de obras de artistas asociados al informalismo español, representado por Juan Francés, Antoni Tapies, Manolo Millares y Antonio Saura. En las tres décadas de su historia, el IVAM ha ido aumentando este patrimonio pictórico con obras de artistas nacionales pertenecientes a generaciones más jóvenes. En este sentido, la exposición presentará también el trabajo de autores que desde Valencia dieron el paso hacia la abstracción y fundaron el grupo Parpalló en 1956 como Jacinta Gil y Joaquín Michavila, pasando por el nuevo realismo de Eduardo Arroyo y Equipo Crónica. La selección incluirá obra de artistas tan relevantes para la historia de la pintura española contemporánea como Pablo Palazuelo, Albert Ràfols Casamada, Soledad Sevilla y Jordi Teixidor, así como representantes más jóvenes como José Manuel Broto, Carmen Calvo, Miguel Angel Campano, Susy Gómez, Ferrán García Sevilla, y Jose M.ª Sicilia.
Con motivo de la muestra que el museo dedica a Eusebio Sempere, os proponemos un taller en el que se parte de algo que, en principio, era una dificultad que condicionaba la percepción del artista pero que acabó siendo el eje de su obra. Sempere nunca vio bien por una dolencia en su ojo derecho, un “ojo vago”, lo que le hacía imposible percibir la perspectiva y la distancia. Desde esa visión plana que condicionó la obra del autor utilizaremos algunos materiales con los que realizar juegos de observación para comprender cómo veía y creaba Sempere.
El objetivo de esta iniciativa es acercar al alumnado el arte contemporáneo así como hacerles partícipes del espacio museo, el CADA, como un espacio de todos/as. Las actividades están adaptadas por niveles según competencias y contenidos escolares atendiendo al currículum de Primaria y se dividen en dos partes: la visita en sala y una actividad práctica en el espacio taller. Distinguimos dos actividades según tramos de edad: de 1º a 3º y de 4º a 5º.
DATOS DE INTERÉS
Taller gratuito organizado por el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Fechas: 12 – 13 – 14 – 19 – 20 – 21 de diciembre
9 – 10 – 11 – 16 -17 – 18 – 23 – 24- 25 – 30 – 31 de enero de 2019
1 de febrero de 2019
Horarios: Miércoles: 9.30 – 10.30
Jueves y viernes: 9.30 – 10.30 – 11.30
Duración: 90 minutos aproximadamente
Dirigido a: Educación Primaria
Grupos: 30 alumnos/as por sesión
Inscripciones: educacio@alcoi.org
Impartido por: Luminaria. Educación Patrimonial
Información: 965537140
La visita pretende acercar la obra al público usando los argumentos que el propio Sempere investiga y explora: la percepción, la forma, el funcionamiento del ojo y como se crea en el cerebro una imagen. Así pues proponemos una visita activa y experiencial. Usando los materiales diseñados para esta exposición, queremos que el público se acerque desde la manipulación experiencial de dichos materiales a conceptos como el color, la forma y el fondo, las figuras geométricas, los patrones, el efecto moiré y la luz.
Veremos como este edificio emblemático ha pasado de ser una entidad financiera, a una posterior beneficiencia, hasta finalmente ser un espacio cultural en la actualidad. Así tejeremos con la visita la historia del edificio y el patrimonio textil, propios ambos de la identidad alcoyana como marco y vehículo de la visita. Estableceremos relaciones entre estos aspectos, definitorios de Alcoy, en conjunción con el proceso creativo del artista, vinculando la trama textil con la trama pictórica y sus efectos perceptivos y visuales, poniendo como ejemplo el efecto Moiré, efecto visual de distorsión que podemos encontrar en ámbitos muy reconocibles de nuestro entorno como la publicidad o el diseño.
DATOS DE INTERÉS
Fechas: sábados
Horarios: a las 12 horas
Duración: 1 hora y 30 minutos
Dirigido a: público adulto
Aforo: 30 personas
Inscripciones: 965537142
Impartido por: Clarió. Gestió Cultural
Información:
Taller gratuito
POSAR EL COS
Con el título Posar el cos, el IVAM Alcoi plantea una sesión donde los espacios del museo son habitados, intervenidos y transformados por las acciones de bailarines, bailarinas y performers. Posar el cos es convertir la presencia física de los cuerpos en compromiso; y asimismo, implica plantear cuestiones abiertas sobre el lugar que ocupa dentro del arte contemporáneo la danza performática, pero también aquella registrada y convertida en pieza audiovisual, en un museo como el IVAM Alcoi.
SOL PICÓ. HALAB
Halab es una pieza que quiere rendir homenaje a las más de 16.000 personas muertas en el Mediterráneo, mientras trataban de alcanzar las costas europeas, huyendo de la miseria y de los horrores de la guerra de su tierra natal. 16.000 personas, hombre, mujeres y niños que en la desesperación más absoluta, han finalizado un viaje lleno de penurias, violencia y abusos bajo las aguas de nuestro mar.
Una tragedia humanitaria a escasos kilómetros de nuestra casa, que cuenta con la complicidad de mafias despiadadas, capaces de lanzar al mar a centenares de persones en lanchas precarias y con chalecos falsos y de una Europa a la que solo le preocupa blindar sus fronteras. Tan solo las organizaciones no gubernamentales, como Proactiva Open Arms, que ha colaborado en la creación de esta pieza, alivian con su labor titánica esta situación, poniendo en primer lugar lo que siempre debería prevalecer: ayudar a quien más lo necesita.
Halab, nombre que recibía antiguamente la ciudad de Alepo en Siria, pretende dar visibilidad a esta injusticia insoportable, concienciarnos de lo que ocurre día a día en el Mediterráneo y dar voz a quien no la tiene. Porque, por desgracia, el goteo constante de estas noticias en nuestros televisores nos vuelve insensibles a este dolor, con consciencias cada vez más impermeables, más acostumbradas a la muerte, más dormidas…
Interpretada por 20 bailarines estudiantes de danza y coreografiada por Sol Picó, con música en directo de Pere Jou, Halab es una pieza austera, impactante, comprometida y emocionante, que a través del lenguaje poético de la danza nos acerca a una terrible realidad que sufren miles de personas ante la inacción de una Europa con el corazón cada vez más duro. Que nuestro silencio no se convierta en su cómplice.
Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985) llegó a París por vez primera en 1948 con una beca que le permitió imbuirse en el conocimiento del arte moderno y establecer un contacto directo con la pintura de Vasili Kandinsky. En el verano de 1949 expuso en Valencia una temprana muestra de gouaches abstractos que nace, según sus palabras, del “deslumbramiento” que le había producido el arte expuesto en París. De regreso a la capital francesa, en 1950, se enfrenta a la obra de Mondrian como expresión del rigor y el orden de la abstracción y se alinea con la vertiente de esta derivada de las corrientes concretas del periodo de entreguerras. Sempere frecuenta dos escenarios en los que se fragua esa abstracción: el Salon des Réalités Nouvelles, donde tuvo relación primero con Auguste Herbin y más tarde con Michel Seuphor, y la Galerie Denise René, que representaba a una serie de artistas con los que trabó contacto, especialmente Victor Vasarely y Jesús Rafael Soto.
La estancia en París le dio la oportunidad de emprender, a partir de 1953, una coherente y pausada labor de investigación plástica que culminó con la definición de una obra personal, coetánea al surgimiento del arte cinético, movimiento que se presentó en abril de 1955 en la célebre exposición Le mouvement, impulsada por Vasarely en la Galerie Denise René.
La investigación cinética de Eusebio Sempere se plasma en dos tipos de obras. Por un lado, un amplio trabajo, que el consideró experimental, con dibujos a gouache sobre papel Canson generalmente negro; y, por otro, un conjunto de relieves luminosos móviles realizados con planchas de madera, láminas de plexiglás, bombillas y pequeños motores eléctricos. Sempere presentó varios relieves en la edición del verano de 1955 del Salon des Réalités Nouvelles –poco después de la celebración de la exposición Le mouvement– y distribuyó un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. Todas estas obras surgieron, según sus propias palabras, como un “impulso de reestructurar la pintura, tan maltratada entonces por el éxito y la difusión de la tendencia informalista”.
En sus gouaches, Sempere desarrolla un concepto compositivo que deja fuera la perspectiva, todo es primer plano y las figuras geométricas se multiplican por el espacio neutro del papel. Construidas casi siempre por multitud de rayitas y pequeños planos de color muy matizado, las formas parecen evolucionar físicamente en el espacio, porque como él mismo explica, “todo se convierte entonces en un continuo ir y venir de nuestro ojo”.
Los relieves luminosos móviles –de los que en la presente exposición se ofrece una representación exhaustiva–, ofrecen una evolución que va desde las formas geométricas simples y la luz blanca de los primeros, a otros en los que esta se filtra por medio de finos plásticos de colores, las formas se complican y se introduce un mecanismo de pequeños motores que produce una secuencia en el encendido y apagado de las bombillas. Son obras que Vasarely valoró por el rigor del signo y la medida del color y la luz y que, según él, “se inscriben en el tiempo con una sensibilidad contenida y conmovedora”.
Tras participar en la Bienal de São Paulo de 1959 con algunos relieves, y exponer en alguna de las muestras del grupo Parpalló, creado por Vicente Aguilera Cerni en 1960, Sempere regresa a España cuando la aceptación de la modernidad artística ya era un hecho, y el ambiente pictórico estaba definido por el informalismo. Comienza entonces la segunda etapa de su carrera, en la que el artista se esfuerza por centrarse en la pintura. Siguió trabajando con gouache, en soportes de mayor tamaño y con una preparación que aportaba textura y rugosidad al fondo, sobre el que introdujo leves referencias figurativas. Va desarrollando su gramática a base de finas líneas de color nunca homogéneo, con una rica y refinada variedad de tonalidades que, con las dificultades técnicas que él mismo señalaba, le permitió realizar obras impactantes en las que la vibración y movilidad de la luz y su efecto espacial y atmosférico resulta determinante.
A partir de 1964, año en que viajó por EE.UU. y conoció a Josef Albers, Sempere toma un nuevo impulso que le llevó a definir la sintaxis de su obra madura y a incorporar dos nuevos materiales en su trabajo: el cartón y el hierro. Durante un periodo de tiempo corto e intenso realizó un grupo de obras a las que llamó collages, que requería un minucioso trabajo de recortado del cartón. Este desarrollo efectivo de la interacción de planos sucesivos en profundidad es también la base de la realización de la serie de móviles en varillas de metal cromado o pintado que expuso ese mismo año en Nueva York. Desde 1965, Sempere intensificó la producción de móviles a base de pantallas, con el propósito de investigar al máximo los múltiples contrastes ópticos a que puede dar lugar el juego de planos diferentes, creando una escultura dinámica, mutable y luminosa. En la misma época su pintura contiene los elementos esenciales de su lenguaje a partir del signo primario de la línea junto con el color, ya sea en obras de cariz exclusivamente geométrico o en otras en las que es posible atisbar referencias a una figuración paisajística que alude a la luz de la naturaleza. También realiza una importante producción de carpetas de serigrafías, técnica en la que su aportación fue muy notable.
Sempere participó además en las más variadas iniciativas (que él llamaba trabajos de investigación) influidas por la interacción del arte plástico con la música, la arquitectura, las nuevas tecnologías, la cibernética y la ciencia, lo que demuestra la riqueza de sus intereses artísticos. La idea de concordancia de las artes, de poesía concreta, musicalidad y objetivación, aparecen por ejemplo en su proyecto para la compañía IBM: una estructura móvil y luminosa sincronizada con la música y la poesía concreta, elaborada en 1969 por Eusebio Sempere junto con el músico Cristóbal Halffter y el poeta Julio Campal. En este contexto destaca también su participación en los “Seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas” del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (actual Complutense), en los años 1969-1972, de los que surgen algunas obras realizadas con computadora; y en las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organizó Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968.
Esta muestra, que abarca tres décadas del trabajo de Sempere e incluye gouaches, relieves luminosos, pinturas sobre tabla, collages, móviles metálicos y esculturas móviles, itinerará a la sede del IVAM en la ciudad de Alcoi, del 16 de noviembre de 2018 al 3 de febrero de 2019.